BLOG DA REBEKA

2010-09-16T07:01:00.001-07:00

2010-03-29T12:53:00.001-07:00

globo

2009-08-13T14:08:00.000-07:00

Watch live video from WWW.XATCOMTV.NET on Justin.tv

2009-07-26T14:31:00.000-07:00

2009-07-26T14:28:00.000-07:00

ALMA SOLITÁRIA

2009-07-26T14:26:00.001-07:00

CRUSE SOUZA

Ó alma doce e triste e palpitante !
Que cítaras soluçam solitárias
Pelas regiões longínquas, visionárias
Do teu Sonho secreto e fascinante !

Quantas zonas de luz purificante,
Quantos silêncios, quantas sombras várias
De esferas imortais, imaginárias,
Falam contigo, ó Alma cativante !

Que chama acende os teus faróis noturnos
E veste os teus mistérios taciturnos
Dos esplendores do arco de aliança ?

Por que és assim, melancolicamente,
Como um arcanjo infante, adolescente,
Esquecido nos vales da esperança ?!

Emo (Emotional Hardcore) - Estilo de vida? moda?

2009-07-26T14:14:00.000-07:00

Emo (Emotional Hardcore) - Estilo de vida? moda?
Afinal de contas o que é Emocore? Segundo o confiável Wikipedia, Emo se origina do termo inglês EMOtional hardcore, que muitos confundem com hardcore melódico. É um estilo musical que deu origem a uma tribo própria, pode se dizer assim. O termo surgiu em meados da década de 80 e foi originalmente dado às bandas do cenário punk de Washington, DC que tocavam um estilo mais emotivo que o normal. Existem várias lendas que tentam explicar a origem do termo emo, mas uma das que mais prevalece é de que num dos primeiros shows em Washington, DC um fã gritou "You´re emo!" (Você é emo!) para uma banda (os mitos variam bastante quanto a banda em questão, sendo provavelmente o Embrace ou o Rites offSpring). Na cultura alternativa diz-se que alguém é ou está emo quando demonstra muita sensibilidade (em geral, uma tendência à depressão). Cansados dos ritmos pesados, letras de protesto e do estilo politicamente correto, adeptos do punk ramificaram o movimento e apresentaram o Emocore como estilo musical que retratava as emoções, com sons mais leves e melódicos do que o hardcore própriamente dito. Também na forma de se vestir, os Emos (adeptos ao Emocore) passaram a explicitar seus sentimentos. Além de roupas chocantes, em subversão à moda vigente, roupas infantis fazem alusão à ingenuidade do ser humano puro, roupas góticas representam a melancolia e o uso de fantasias falam de um "mundo encantado". Estas passam a ser as formas de expressão dessa nova tribo urbana. Para entender melhor a evolução do punk/hardcore e como coisa funcina hoje em dia, vamos fazer uma espécie de linha do tempo e contar um pouco sobre cada época ou moda que o punk/hardocore atravessou até chegar ao Emocore que você conhece, participa ou vê hoje pelas ruas. O estilo punk pode ser reconhecido pela combinação de alguns elementos considerados típicos (alfinetes, patches, lenços no pescoço ou à mostra no bolso traseiro da calça, calças jeans rasgadas, calças pretas justas,bondage pants (calças xadrez com vários zípers nas pernas),bottons de bandas punx e de protesto, jaquetas de couro com rebites e mensagens inscritas nas costas, coturnos, tênis converse, correntes, corte de cabelo moicano, colorido ou espetado, etc), sendo esta combinação aleatória ou de acordo com combinações comuns à certos sub-gêneros punk, ou ainda o reconhecimento pode ser pelo uso de uma aparência que seja desleixada, "artesanalmente" adaptada e que carregue alguma sugestão ou similaridade com o punk sem necessariamente utilizar os itens tradicionais do estilo. Cores e formas impactantes. A moda punk, em sua maioria, é deliberadamente contrastante com a moda vigente e por vezes apresenta elementos contestadores ou ofensivos aos valores aceitos socialmente -no entanto um número considerável de punks e alguns sub-gêneros apresentam uma aparência menos chamativa (por exemplo o estilo tradicional hardcore). Há também indivíduos intimamente ligados a esta cultura que não têm nenhum interesse ou deliberadamente se recusam a desenvolver uma aparência punk, em geral motivados pelas diversas críticas que a moda punk recebeu durante sua história. As variações dos elementos das roupas punk e o surgimento de ramificações de estilo estão associados, na maioria dos casos, ao surgimento de novos sub-gêneros musicais, influências ideológicas e de elementos de outras culturas que em determinados momentos dividiam mesmo espaço com o punk. A idéia popularmente difundida e equivocada de que todos os elementos do esteriótipo punk foram "planejados" cuidadosamente como simbolismo da ideologia libertária/anarquista -por exemplo o coturno, originalmente trazido a cultura punk por influência da cultura skinhead, que é comumente e erroneamente justificado como símbolo de repúdio ao Exército- é com freqüência aceita entre novos punks que acabam desta forma propagando e conseqüentemente agregando pouco-a-pouco um sentido simbólico que não existia anteriormente à moda punk. Enquanto o estilo punk desligado de um movimento costuma utilizar com liberdade os elementos, combinando peças intuitivamente e utilizando outros itens que não fazem parte do estilo clássico, os membros dos diversos grupos do movimento punk consideram fundamental algumas combinações tradicionais de elementos, uma vez que elas identificam o grupo (e conseqüentemente a ideologia) específico que o indivíduo pertence. Em diversos países, incluindo o Brasil, a roupa é na maioria das vezes o elemento que desencadeia as brigas de rua entre gangues, membros de grupos divergentes do movimento punk e outros movimentos que repudiam o punk. A combinação arbitrária de elementos costuma não ser bem vista por punks de gangues e sub-grupos do movimento pois é interpretada como uma demonstração de ignorância sobre os costumes, a aparência e as ideologias punk ou fruto de uma tentativa da cultura vigente se apropriar desse estilo. Este desentendimento pode culminar no desprezo, ridicularização ou hostilidade para com o indivíduo ou, nos casos dos grupos violentos, na coerção, furto de peças e agressão. Originalmente, fãs de punk rock vestiam-se como greasers dos anos 1950 e 1960, sobretudo nos Estados Unidos, ou de forma semelhante aos fãs de Glam Rock, estilo musical em voga na Inglaterra no começo dos anos 1970. O punk teve seu primeiro estilo próprio difundido com a estilista Vivienne Westwood, dona da loja de roupas Sex que abasteceu as primeiras bandas punks na Inglaterra. Suas roupas se caracterizavam pelo uso de slogans no estilo situacionista, símbolos políticos antagônicos, obscenidade, peças baseadas em roupas obscuras como camisas de forças e parafernália sadomasoquista, sempre em tom de ironia e provocação. Em pouco tempo os produtos da loja Sex se tornaram itens demasiadamente populares, caríssimos e repetitivos o que impeliu novos punks a construírem suas próprias roupas. A partir daí a criação individual se torna a marca registrada dos punks, transformando-se mais em uma questão de estilo do que moda no sentido popular do termo. Uma das principais fontes de inspiração foi o pioneiro norte-americano Richard Hell, famoso por cortar o próprio cabelo e adaptar, de forma "artesanal", camisetas. Era comum nesta fase um corte bem curto de cabelo, tanto para mulheres quanto para homens, numa inclinação à androginia em ambos os gêneros (diferente da "feminilização" dos glam rockers, movimento com notável influência sobre os primeiros anos do punk), e utilização de elementos de várias modas juvenis de outras décadas, como o Mod e Teddy Boy, além de elementos kitsch como suéteres multicolores, boinas, bandanas, estampas falsas de pele de animal. O alfinete, utilizado como piercing, prendedor de patches ou aleatoriamente sobre a roupa, se tornou um dos símbolos característicos do punk. No Fim da década de 1970 e meados da década de 1980, após o sucesso comercial do punk rock e o surgimento dos primeiros street-punks, o caráter colorido, excêntrico e atrativo da primeira geração dá lugar ao estilo mais monocromático, opaco e agressivo. Muito influenciado pelas roupas de Sid Vicious, baixista dos Sex Pistols, que tinha a aparência semelhante aos punks norte-americanos -jaqueta de couro, camiseta e calça jeans-, o street-punk, a geração "anti-comercial" do punk, adicionou a isto algumas das excentricidades do estilo tradicional britânico, como centenas de rebites, alfinetes, correntes, patches e pequenos retalhos com estampas falsas de pele de animal. Tornou-se comum também escrever mensagens como "no future" ("sem futuro") ou nomes de bandas com tinta branca nas costas das jaquetas. Devido a difusão do estilo street-punk, o estilo original punk passou a ser imediatamente associado a new wave, que a grosso modo representou a versão comercial do punk, e pouco a pouco foi incorporando mais elementos coloridos e referências à cultura pop, abandonando o caráter ofensivo e controverso em favor de uma imagem bem humorada e caricatural. O estilo espalhafatoso do punk new wave foi muito popular (especialmente após a inauguração da MTV) e é considerado um dos símbolos pop da década de 1980. Por volta de 1979, com o reaparecimento dos skinheads na cultura inglesa e a metamorfose do street-punk em Oi!, alguns de seus principais símbolos, o coturno, a camisa estilo pólo e os suspensórios, são absorvidos pela cultura punk. É sobre a influência dos skinheads e do hooliganismo dos fãs de Sham 69 que os punks ligados ao Oi! desenvolvem uma imagem supermasculinizada, simbolizando a violência, a virilidade e o orgulho suburbano/proletário. Este desejo de aparentar pertencer a parte suburbana, oprimida, trabalhadora e vista como heroína da revolução social, então comum entre fãs de Oi! e conhecido na época como "credibilidade de rua", teve grande impacto no estilo e levou muitos adeptos a perseguir, ridicularizar e agredir indivíduos que não correspondiam visualmente ao estilo que julgavam ser antagônico ao "estilo burguês" e típico das ruas (roupas desgastadas e que simbolizassem a virilidade e a marginalização social). Uma das bandas favoritas desta cena na época, The Exploited, popularizou, não só entre Oi!s mas no punk de forma geral, o corte de cabelo moicano, que antes representava um elemento menor dentro da moda punk. Muito do estilo Oi! foi influenciado por filmes de sucesso sobre violência e gangues juvenis, entre eles Laranja Mecânica, Selvagens da Noite, Quadrophenia e Taxi Driver. Ainda em 1979, um dos veteranos do street-punk, Crass, decide abandonar a aparência tradicional punk e usar somente roupas pretas, numa inclinação a simplicidade e a uniformização, e dão início ao anarcopunk. O estilo sóbrio faz referência a total objetividade da banda, todos se vestem de forma muito parecida e a imagem de seus rostos raramente é vista em revistas e outros impressos, com a intenção de não serem vítimas do estrelato e do culto da personalidade que a indústria cultural alimentava. O desprezo pela postura típica do rock and roll somado ao estilo todo de preto da banda resultou em diversas críticas nos primeiros anos por parte dos clubes e públicos tradicionais da cena punk, sendo acusados comumente de fascistas pela aparência radicalmente diferente para a época. A cena anarcopunk cresceu em pouco tempo se tornando logo um abrigo para os mais diversos estilos emergentes. Estes estilos tiveram grande influência sobre a aparência anarcopunk (e a aparência anarcopunk sobre a moda punk em geral), notavelmente a cultura gótica e o seu interesse por maquiagem, cabelos de longo comprimento e arrepiados, imagem decadentes e sombrias. O engajamento do movimento anarcopunk na luta pelos direitos dos animais ajudou a tornar impopular o coturno e as jaquetas de couro, que já não eram bem vistos por alguns por se assemelharem ao estilo Oi!. O engajamento, não só neste tópico, mas também em várias outras causas anarquistas como o feminismo e o pacifismo desencadeou também o costume entre anarcos de usar camisetas e patches com stêncils de slogans políticos sarcásticos e de manter uma aparência andrógina quase assexual (ou que pelo menos não fosse reforçadora do esteriótipo "macho" e nem super-sexualizada ou reforçadora do esteriótipo feminino de delicadeza e fragilidade). Um interesse por elementos coloridos e excêntricos dos primeiros anos punk reaparece entre alguns anarcopunks graças a influência de bandas teatrais como Chumbawamba, revivalistas como Brigandage e Rubella Ballet e a New Wave. De modo geral, entre 1980 e 1984 na Inglaterra, as duas principais correntes punk foram o Oi! e o anarcopunk, que apesar de antagônicas deram origem a um grande número de punks que visualmente, e as vezes ideologicamente, assimilavam costumes de ambos movimentos. O punk de jaqueta de couro, rebites, coturno, suspensório, patches, cabelos longos ou moicano, colorido vestindo roupas pretas foi o esteriótipo mais comum do punk durante a década de 1980. Nos Estados Unidos o estilo greaser dos Ramones convivia com variações importadas da Inglaterra até o fim da década de 1970, quando, também diante da popularização do punk, o hardcore -originalmente uma ramificação anti-comercial do punk norte-americano surgiu. Em seus primeiros anos o hardcore era vagamente descritível, simbolizando mais uma atitude diante da cultura punk do que um estilo de moda ou música. Apesar disso é notável, num público formado majoritariamente por homens, a predominância da cabeça raspada e do estilo suburbano norte-americano (note que se diferencia do orgulho suburbano inglês Oi! na medida que o subúrbio norte-americano não carrega a conotação socialista de operário-proletário e de opressão social como na Inglaterra; trata-se da imagem de tédio e marginalização cultural sugerida pela roupa padronizada) usando quase que exclusivamente uma camiseta de manga curta sem estampa e uma calça jeans, ambas visivelmente desgastadas. Pouco tempo depois, quando a cena hardcore se tornou mais claramente definida, acrescentou elementos de estilos ligados aos esportes jovens como o skate, o patins e o surf (influenciado principalmente pelo fato da cena ter se desenvolvido com maior força na região costeira dos Estados Unidos, como Los Angeles, onde estes esportes eram muito comuns): a camisa xadrez flanelada, os tênis de skatistas, e em menor proporção a bermuda, com ares de desleixo se tornam características do estilo hardcore. A imagem masculinizada e muitas vezes deliberadamente machista, muito forte nos primeiros anos, começa a ser combatida pela influência libertária das principais bandas. A aparência agressiva apesar disso continua acentuada - em parte pela própria natureza do estilo musical hardcore, em geral extremamente rápido e de inclinação anti-social. Em meados da década de 1980 até o começo da década de 1990, o punk alcança seu primeiro ápice nos outros países do mundo. Enquanto os países berços, Inglaterra e Estados Unidos, desenvolviam diversificações cada vez mais definidas dentro da cultura punk, as revistas de música e a mídia em geral dos outros países apresentavam de forma superficial e muitas vezes equivocadas essas várias tendências. Este material foi para a esmagadora maioria destes novos punks a única referência além dos encartes de álbuns. A partir daí um estilo se consolidou em países como Finlândia e Brasil, principalmente entre jovens da classe média-baixa das grandes cidades, caracterizado pela mistura de vários elementos visuais e ideológicos do punk norte-americano, hardcore, oi!, anarcopunk e, em menor escala, o punk inglês dos primeiros anos. O estilo era chamado simplesmente punk e era visto por muitos de seus adeptos como contrário ao então chamado "punk de boutique", "burguês ou "universitário" -em geral punks de classes mais abastadas que tinham melhor acesso às idéias e tendências estrangeiras ou então jovens que se interessavam pela moda New Wave que dominou a cultura pop dessa década. Com o impacto do fim da primeira geração anarcopunk na Inglaterra em 1984, simbolizada pela desintegração da banda ícone Crass e o fracasso da greve dos mineradores, a nova geração, sob influência de bandas/ativistas ligados a organização política Class War (em destaque o Conflict) e da visibilidade das cenas punks em diversos outros países, passa a assimilar naturalmente o estilo musical e a aparência do punk "genérico" e a desenvolver um maior interesse por uma tradição punk, em contraposição à postura anti-fetichista e "anti-punk" do Crass. A influência do reggae, já comum na cultura punk, trouxe para o anarcopunk, principalmente nesta época, alguns elementos do Rastafari, especialmente o dreadlock (estilo de cabelo cujos fios são fundidos em várias "cordas" grossas de cabelo). O dread se tornou comum na então chamada cena crustie (não confundir com o sentido contemporâneo do termo), por volta de 1989. No meio da década de 1980 a nova geração do heavy metal também alcançava seu ápice e acabou por fundir-se, nos Estados Unidos, com a cena Hardcore tanto musicalmente quanto na forma de se vestir. Cabelos compridos, bonés, jaquetas jeans e outros elementos comuns aos metaleiros foram incorporados pelos punks (também os metaleiros incorporaram elementos da cultura punk). Fora dos Estados Unidos, no entanto, a influência heavy metal dificilmente foi além do estilo musical e do design das capas de disco. No começo dos anos 1990 o punk encontra novamente na música pop um meio de difusão. O grunge, que nasceu no cerne da música alternativa norte-americano no fim da década de 1980, alcança o grande público com o sucesso do disco Nevermind, do Nirvana. O estilo grunge reflete muitos elementos da cena hardcore e trash/crossover original -que de fato foram grandes inspirações para os precursores do estilo: cabelos compridos, camisas xadrez flaneladas, calças jeans rasgadas e camisetas desbotadas, tudo adaptado para a temperatura fria com a sobreposição de calças inteiras e calças rasgadas, camisetas e jaquetas sobre as camisas xadrez. O pop-punk e o hardcore-pop de bandas como The Offspring, Green Day, Pennywise, Good Charlotte e NOFX alcançam o sucesso também no começo da década, influenciando toda uma geração com um estilo punk "esportivo" e mais polido popularmente conhecido como punk rock californiano. As roupas são associadas ao estilo jovem das costas oeste e leste norte-americanas, em especial ligadas a cultura skate e patins, como bermudas e óculos escuros mesclados com cabelos coloridos e espetados, sem o tradicional "desbotado" ou aparência desleixada da cena hardcore do começo de 1980. Este impulso da cultura punk, que estava condenada ao gueto da cultura alternativa no fim da década de 1980, incentivou um revivalismo punk na cultura popular que trouxe a tona vários elementos musicais e de moda das outras décadas através de bandas novas e ideologicamente descompromissadas. A aparência do pop-punk da década de 1990 é nitidamente a mais polida e bem-humorada, fazendo referências estilizadas e irônicas ao esteriótipo punk. Vertentes alternativas também se desenvolvem pelo mundo durante este período fora da atenção da mídia, mas ainda assim influenciadas em algum nível pela estética pop-punk e grunge emergente, como as riot-girls, o anarcopunk nos países latinos e nos Estados Unidos, o straight-edge fora da América do Norte, as novas gerações oi!, emo, hardcore entre outros. No fim dos anos 1990 e começo de 2000 a nova geração emo se tornou a corrente predominante na cultura popular. Caracterizada por elementos de moda do pop-punk, hardcore straight-edge da década de 1990 e gótica como: - franja comprida jogada para um lado do rosto; - maquiagem preta reforçada nos olhos (tanto em homens quanto mulheres); - piercing no lábio inferior; - para as roupas admiram a cor preta (para eles significa profundidade), vermelha e branca, que podem estar sozinhas ou combinadas formando uma malha xadrez; - tênis no estilo mad rats; - acessórios multi-coloridos como munhequeiras, pulseiras, colares e etc (remetendo à infância e contrastando com a maturidade apresentada pelos itens anteriores); No Brasil bandas como Forfun, Dibob, Darvin, Emo., Strike, Asteristico Zero, Offline, além dos grupos estrangeiros como My Chemical Romance, Simple Plan, Good Charlote, fazem a cabeça da garotada, com letras melancolicas. Alguns chagam a dizer que o Emotional Hardcore nacional não passa de pagode com distorção. Pode até ser verdade!!! Mas a verdade é que atualmente a moda Emo ganha cada vez mais espaço na cena mundial, tanto na Europa e Estados Unidos quanto aqui no Brasil. A cada dia o movimento encorpora mais adeptos e bandas no estilo surgem a cada momento. É claro que tem aqueles que fazem questão de deixar claro através de comunidades no Orkut, blogs, sites que detestam e não fazem parte dessa tribo. Mas uma coisa é fato. O movimento já tomou enormes proporções. Até quando essa moda dura? Onde essa moda vai parar?? Mas a vida de um noviço no mundo encantado do EMO nem sempre é um mar de rosas e margaridas. É preciso ter atitude para se tornar um autêntico infanto-depressivo-poser Emo e fazer parte dessa tribo. Ai estão 16 dicas para você alcançar seu objetivo e se tornar um verdadeiro EMO. 1- Ao chegar em qualquer lugar (não importa onde, pode ser até no banheiro!!!) movimente-se sempre com o auxílio da parede, pois o autêntico EMO sempre anda pelos cantos... 2- Quando alguém se aproximar de você, se faça de vitima, SEMPRE, entendeu??? Assim. automaticamente você lucrará um colinhos e cafunés... 3- Ande sempre de cabeça baixa, mãos nos bolsos... e se tiver uma pedrinha para chutar, esse é o seu dia! 4- Compre coisas meigas, tais como meias de bichinhos, coraçõesinhos... e lembre-se de que toda vez que alguém perguntar sua opinião sobre qualquer coisa, diga: "-Que meeeeeeigo!!", ou ainda :-"Que Foooofys!!!" 5- Sempre pronuncie tudo no diminutivo. Tipo: cãozinho, bichinho, lindinho, -inhos e -inhas a la vonté... 6- Use e abuse de roupas e acessórios em cores "bebê": azul bebê, amarelo bebê, rosa bebê e segue a maternidade... 7- Decore esses nomes: Hot Water Music, Boy Sets Fire, Mineral, Sunny Day Real State, Lifetime, Get Up Kids, The Ataris. Sempre que você ver alguém falando o nome de alguma dessas bandas, fale que você curte também e cite as outras imediatamente para dar a imprensão de que você realmente conhece! 8- Não se esqueça de agir sempre como uma criança, do visual até às atitudes. Principalmente se for relacionado a sentimentos. 9- Mochilas de bichinhos, smiles e molequinhos mal desenhados comandam! 10- Criticar sempre o pogo violento, pois esse papo de se machucar, aterrorizar e suar em shows, é para malaco... 11- Cabelos sempre coloridos, para que os amigos façam os comentários citados na nossa dica número 4. 12- EMO que é EMO jamais faz uso da violência! No caso de estar presente no local onde ocorre uma briga de rua, por exemplo, a melhor coisa a ser feita é chorar e se questionar em voz alta porque alguns humanos são tão violentos, assim você ainda descolará carinhos e mais carinhos das pessoas mais próximas. 13- Em caso de se machucar, tenha sempre a mão band-aid de bichinhos. 14- Qualquer coisa feita à mão por alguém tem um valor incalculável, por exemplo, se você está numa lanchonete e um amigo desenhar um daqueles bonequinhos de pauzinhos em um guardanapo (mesmo que sujo de catchup), você deverá guardá-lo na agenda/diário para sempre! 15- E quem foi o machista, grosso, e malvado que disse que escrever em diário é coisa só para meninas? Escreva mesmo, amiguinho, mas mostre para algumas meninas... Elas se derreterão por você!16- O objetivo da vida de um EMO é lutar (sem violência, é claro!!!) para que todos os humanos um dia se abracem e nunca mais se desgrudem! Esperamos que, com essas dicas mais do que "lindinhas", vocês possam entrar de cabeça na nova tendência!!! mas cuidado para não se machucarem, hein?!?

2009-07-26T14:12:00.000-07:00

2009-07-26T14:08:00.000-07:00

No cimenterio de San Mauro de Pontevedra álzase este maxestuoso arco os caidos pola patria. Resulta obvio decir que non nomea os caidos en defensa da República xa que eses non pertenecían a ningunha patria.

2009-07-26T14:07:00.000-07:00

2009-07-24T15:08:00.000-07:00

REDE RDC TV

2009-07-24T14:49:00.000-07:00

Online video chat by Ustream

feliz ano novo

2007-12-22T06:48:00.000-08:00

[blue]***[/blue] Novas animações de Fogos De Artifício

2007-11-24T16:47:00.000-08:00

Mensagem subliminar no comptador

ZÉ

2007-09-12T12:12:00.000-07:00

ET

2007-09-12T12:10:00.000-07:00

o adormecer de uma estrela.....

2007-09-03T02:42:00.000-07:00

vamos dançar

2007-08-30T12:33:00.000-07:00

CEMITÉRIO DA CONSOLAÇÃO UM MUSEU A CEU ABERTO

2007-08-19T06:32:00.000-07:00

Gótico (ARTE)

2007-08-19T06:27:00.000-07:00

Gótico (ARTE)

Estilo que dominou a arte européia, especialmente a arquitetura, entre os séculos XII e XV. Com o românico, cronologicamente anterior, é uma das grandes vertentes da arte medieval.

Após o despertar do mundo românico, a Europa da baixa Idade Média (das cruzadas até o século XV), conhecida como Europa das catedrais, experimentou excepcional apogeu cultural, político e econômico, cujo expoente artístico manifestou-se no florescimento do gótico.
O termo gótico, de início empregado em sentido pejorativo (arte dos godos) pelos artistas do Renascimento, designa um conjunto de manifestações artísticas desenvolvidas entre meados do século XII e início do XV -- em alguns lugares, até o século XVI. Tais manifestações foram possibilitadas pela evolução das técnicas de construção, com o aparecimento do arco ogival, por exemplo, e em conseqüência do surgimento de uma forma de vida e uma cultura urbanas, dominadas pela nova burguesia comercial.

Arquitetura

Em oposição ao isolamento da abadia românica, a catedral, expressão arquitetônica mais típica do gótico, nasceu no centro das cidades. Para sua edificação contribuíram burgueses e artesãos, aqueles com o financiamento, estes com a arte e a técnica. Tratava-se, portanto, do resultado de um esforço coletivo numa sociedade em mudança, de tal modo que, à medida que a riqueza da cidade crescia, aperfeiçoava-se a técnica construtiva e a decoração da catedral, que se convertia em símbolo de prestígio de seu próprio núcleo urbano.

Elementos gerais - A principal característica da arquitetura gótica é a verticalidade, que simboliza o desejo de espiritualidade, evidenciado nas torres vazadas e leves, na sóbria decoração dos portais, na elevação de grandes naves e na multiplicação dos elementos de sustentação externa das estruturas. A verticalidade foi possibilitada pelas inovações técnicas, que consistiam em distribuir o peso das coberturas entre diversos elementos arquitetônicos, como arcos ogivais, pilares, contrafortes e arcobotantes externos. Assim, ao contrário do que sucedia nas igrejas românicas, as paredes quase não suportavam o peso das abóbadas, o que favoreceu a leveza das paredes góticas, às vezes quase inexistentes, vazadas por imensos janelões. O processo de construção proporcionava um espaço interno de grande altura e luminosidade, quase sempre decorado com vitrais, que filtravam a luz e acentuavam a atmosfera de recolhimento dos fiéis.
Os dois elementos fundamentais da arquitetura gótica foram o arco ogival e a abóbada de ogivas entrecruzadas. O arco ogival, formado pelo ângulo de dois arcos que se cortam, transmite as pressões das abóbadas para as laterais, ao contrário do que ocorre no arco de meio ponto, ou de berço, no qual as pressões incidem inteiramente na vertical e exigem paredes resistentes. A abóbada de ogivas entrecruzadas baseia-se no cruzamento de dois arcos ogivais, que formam quatro elementos triangulares, ou seções de abóbada. Cada vão quadrado de abóbada de ogivas cruzadas é delimitado por dois arcos de cinta, perpendiculares ao eixo maior da nave, e dois arcos formeiros, perpendiculares aos anteriores.
Com o tempo, a abóbada gótica evoluiu e apareceu a abóbada sexpartida, de forma retangular, mediante o acréscimo de um terceiro arco ogival, paralelo aos arcos de cinta. Mais tarde, esse tipo foi reforçado com nervuras suplementares, chamadas terciarões. No fim do gótico surgiram abóbadas complicadíssimas, com formas estreladas, de função mais decorativa que arquitetônica.
Os elementos sustentadores mais freqüentes já não eram as colunas cilíndricas, mas os pilares com colunetas adossadas, destinadas a suportar a pressão das diferentes nervuras das abóbadas. Por fim surgiram os contrafortes, situados do lado de fora do edifício, que recebiam os pesos das zonas superiores e permitiam paredes finas, apenas com finalidades de vedação, e assim possibilitavam a abertura de grandes janelas, para colocação dos vitrais.

França - O estilo gótico propriamente dito se configurou em torno de Paris, nos domínios da monarquia francesa conhecidos como Île-de-France. Uma de suas primeiras manifestações, que data da primeira metade do século XII, foi a abadia de Saint-Denis, transformada em panteão da realeza.
Durante algum tempo, utilizaram-se elementos góticos sobre estruturas românicas, enquanto eram testados novos sistemas construtivos, que, já na segunda metade do século XII, puderam ser aplicados nas grandes catedrais de Laon, Senlis e Paris, entre outras. Definiu-se então a típica fachada gótica, composta por um portal triplo com decoração escultórica, uma grande rosácea central e duas torres laterais arrematadas em terraço ou capitel.
No século XIII, o gótico francês ganhou maior esplendor. Modificaram-se os traçados interiores pelo acréscimo dos trifórios, estreitas galerias com arcadas, por cima das arquivoltas das naves laterais; deu-se mais importância à abside e à capela-mor; obteve-se maior altura e proliferaram os janelões com vitrais. A catedral de Chartres tornou-se modelo desse chamado "gótico clássico", ao lado de outras catedrais célebres, como as de Reims e de Amiens.
Na segunda metade do século XIII, durante o reinado de são Luís (Luís IX), as igrejas passaram a caracterizar-se pela leveza e luminosidade. Um exemplo excepcional é a Sainte-Chapelle de Paris, na qual a parede foi substituída por uma estrutura de sustentação totalmente coberta por vitrais.
Os longos conflitos do século XIV impediram o início de novos grandes projetos. A atividade arquitetônica dessa época limitou-se à conclusão das obras já começadas. No século XV, a arquitetura alcançou um estilo exuberante, denominado flamboyant (flamejante), em que os ornatos curvam-se e recurvam-se em forma de chamas. Caracteriza-se pela decoração excessiva, pelo aparecimento de novos tipos de arcos (cimácio, carpanel, escarção), pela simplificação dos suportes e pela complexidade das nervuras das abóbadas. Alguns de seus melhores exemplos são o mosteiro da ordem de Cluny, em Paris, e a igreja da Madeleine de Troyes.

Ilhas britânicas - O estilo gótico das ilhas britânicas teve desenvolvimento muito diferente do resto da Europa. Embora as abóbadas de ogivas já fossem conhecidas no românico, como atesta a catedral de Durham, só no fim do século XII desenvolveu-se uma primeira arquitetura gótica, conhecida como early English. Apesar da influência francesa, esse estilo acabou por desenvolver formas próprias, especialmente o tipo de fachada à maneira de anteparo, que não corresponde ao espaço interno. Os melhores exemplos podem ser encontrados na abside da catedral de Canterbury, do fim do século XII, e mais tarde em catedrais como as de Worcester e Lincoln. Mais fiel ao estilo francês é a abadia de Westminster, iniciada em meados do século XIII.
No começo do século XIV dominou o estilo decorado (decorated style), que se antecipou ao flamboyant e lançou a abóbada em leque, como a do claustro da catedral de Gloucester. A partir de meados do século XIV houve uma reação contra a decoração excessiva e surgiu o chamado estilo perpendicular (perpendicular style). Voltou-se então a acentuar a tendência verticalizante, as janelas decoradas ocuparam as paredes e prosseguiu o uso das abóbadas em leque. As obras mais representativas desse estilo foram as capelas de Henrique VII, em Westminster, e do King's College, em Cambridge, ambas do começo do século XVI.

Países Baixos e Alemanha - Nos Países Baixos, que na época incluíam a Bélgica, a arquitetura gótica materializou-se tanto em edificações religiosas (Saint-Bavon de Gand e São Salvador de Bruges) como em construções civis (bolsa de Ypres, paço municipal de Bruxelas e as famosas atalaias ou torres de vigia (beffrois). Nos países germânicos, a partir da segunda metade do século XIII difundiu-se a chamada Hallenkirche, igreja em que as naves laterais têm aproximadamente a mesma altura da nave central, como as catedrais de Magdeburgo e Regensburg. Também usou-se muito as fachadas de uma só torre, como em Freiburg.

Espanha - A arquitetura gótica espanhola cristaalizou-se lentamente através de uma justaposição de elementos românicos e góticos. Começou-se a empregar a abóbada de ogivas na primeira metade do século XII, graças ao papel difusor da ordem cisterciense, fundadora dos mosteiros das Huelgas, em Castela, e de Poblet e Santes Creus, na Catalunha.
A fase de transição entre o românico e o gótico denomina-se "protogótica", e a ela pertencem obras como a cripta do mestre Mateus de Santiago de Compostela e as catedrais de Ávila e Sigüenza, que combinam elementos característicos dos dois estilos.
O poder alcançado pela monarquia castelhana com Fernando III o Santo impulsionou muitas iniciativas, nas quais a influência francesa foi dominante. A isso acrescentou-se a peregrinação ou caminho de Santiago, que auxiliou a expansão do gótico, como antes havia feito com o românico.
As catedrais espanholas mais célebres começaram a ser construídas no século XIII. É o caso das de Burgos, Toledo e León, com altas torres nas fachadas, abundante decoração escultórica nos portais e vitrais de grande virtuosismo.
No século XIV destacou-se principalmente a arquitetura catalã, caracterizada pela austeridade de linhas, pelo predomínio da parede e pela decoração escassa. O espaço interno era mais amplo e unitário, com planta regular ou de salão e três espaçosas naves não muito altas. Entre outras, devem ser assinaladas as catedrais de Barcelona e Palma de Maiorca, assim como a igreja de Santa María del Mar, na capital catalã. Quanto à arquitetura civil, destacou-se o salão Tinell do palácio Real da mesma cidade.
A introdução do flamboyant no século XV proporcionou um particular esplendor construtivo, com edifícios de grandes proporções e rica ornamentação, caso da catedral de Sevilha. Em meados desse mesmo século evoluiu-se para formas profusamente decoradas, que originaram um estilo distinto, no qual se misturaram formas góticas hispânicas e mudéjares com influências do flamboyant. Esse estilo, chamado hispano-flamengo, foi o prelúdio do Renascimento espanhol. Seu melhor expoente encontra-se na igreja de San Juan de los Reyes, em Toledo.

Itália e Portugal - O gótico teve pouca expressão na Itália, mas adquiriu nesse país características peculiares: horizontalidade, decoração exterior com mármores coloridos, poucas janelas e coberturas de madeira. Destacaram-se as catedrais de Siena e Florença e o palácio dos Doges em Veneza. Em Portugal os exemplos mais representativos do gótico são os mosteiros de Alcobaça e da Batalha. Na época final do gótico, em fins do século XV, já mesclado de influências renascentistas, surgiu o estilo manuelino, cujos exemplos arquitetônicos mais característicos são o mosteiro dos Jerônimos, em Lisboa, e a sala capitular do convento de Tomar.

Escultura

As principais características da escultura gótica são a tendência ao naturalismo e a busca da beleza ideal. Em oposição à rigidez e abstração próprias do românico, os escultores góticos pretenderam imitar a natureza e tanto reproduziram pequenos detalhes vegetais como figuras dotadas de certo movimento e expressividade.
O tipo de religiosidade havia mudado em relação ao da alta Idade Média, e estabeleceu-se uma relação mais direta com a divindade. Ante o todo-poderoso Deus românico, o gótico centrou-se nas figuras de Cristo e da Virgem; ante o hieratismo anterior daquele estilo, buscou a humanidade das figuras divinas.
Nos pórticos das catedrais narravam-se em escultura, com clara finalidade didática, os principais temas religiosos, como a vida de Cristo e da Virgem, a Ressurreição e o Juízo Final, e até alguns profanos, como as estações do ano ou o zodíaco. No fim do gótico, a escultura em relevo acabou por invadir completamente as fachadas. Paralelamente a estas, o relevo se desenvolveu em retábulos, monumentos funerários e bancadas de coros, lugares em que, às vezes, se chegou a empregar a madeira. A escultura em redondo teve desenvolvimento menor e em geral se dedicou à imagem de culto.
Durante a evolução do gótico, a escultura exterior foi-se libertando do limite arquitetônico para adquirir volume e movimento próprios. Muitas vezes as figuras se relacionavam entre si e expressavam sentimentos. Os panejamentos foram ganhando mobilidade e, em muitos casos, deixaram intuir a anatomia, representada cada vez melhor. Depois de um período de grande expressividade, a escultura gótica evoluiu, na fase final, para um patetismo excessivo.
A escultura gótica se estendeu da zona da Île-de-France, seu primeiro foco, a outras regiões e países europeus. Destacam-se as fachadas dos cruzeiros da catedral de Chartres, assim como o portal dedicado à Virgem, na Notre-Dame de Paris, e as fachadas de Amiens e Reims, todas do século XIII.
Durante o século XIV verificou-se um alongamento das formas e a escultura pôde então separar-se do limite arquitetônico. No fim desse mesmo século criou-se em Dijon, na corte dos duques de Borgonha, uma brilhante oficina escultórica, onde trabalhou Claus Sluter, autor do "Poço de Moisés" e do sepulcro de Filipe II o Audaz.
Na Itália verificou-se um abandono progressivo da estética bizantina dominante, graças à chegada do gótico francês e à influência da escultura clássica. Os melhores representantes foram Nicola Pisano, com o púlpito do batistério de Pisa; Andrea Pisano, que fez a primeira porta do batistério de Florença; e Arnolfo di Cambio.
Na Espanha, a escultura soube transformar os modelos importados, segundo um estilo particular, e tendeu para um misticismo severo e de intenso realismo. A escultura de portais seguiu o exemplo francês, como ocorreu com as portas do Sarmental e da Coronería, na catedral de Burgos, ou com a "Virgem branca" no mainel da fachada principal da catedral de León.
No século XIV, a escultura exterior das catedrais tornou-se mais minuciosa, por influência das obras em marfim e da arte mudéjar. Datam dessa época a Porta do Relógio da catedral de Toledo, o portal da igreja de Santa Maria de Vitória e a Porta Preciosa da catedral de Pamplona. O conjunto mais importante da escultura gótica do século XIV está na Catalunha e é formado por sepulcros e retábulos de clara influência italiana, como o túmulo de D. João de Aragão.
No século XV a influência da Borgonha e de Flandres tornou-se dominante e muitos mestres dessas nacionalidades chegaram à península ibérica. Em Castela destacaram-se os trabalhos de Simão de Colônia (São Paulo de Valladolid), Egas Cueman (portal dos Leões da catedral de Toledo), Juan Guas (San Juan de los Reyes de Toledo) e Gil de Siloé (sepulcros de João II e Isabel de Portugal na cartuxa de Miraflores). Em Sevilha, a influência flamenga mostra-se na obra de Lorenzo Mercadante, autor do sepulcro do cardeal Cervantes. Em Aragão, a estética borgonhesa se fez sentir na obra de Guillermo Sagrera.

Pintura

Com a redução da extensão da parede nas igrejas, restringiu-se a pintura mural, que ficou relegada principalmente a salas capitulares e edifícios civis. Em seu lugar, as igrejas góticas se encheram de vitrais, que transformaram os efeitos luminosos em jogos pictóricos. Os mais destacados estão nas catedrais francesas de Chartres e Notre-Dame de Paris, e na de León, na Espanha.
Também aumentou a produção de tapeçarias, que decoravam as paredes de palácios e casas senhoriais, e ganharam especial expansão a arte da miniatura e a pintura de cavalete sobre madeira, mais fácil de transportar e destinada à composição de retábulos.
Durante os séculos XIII e XIV, a pintura era linear, muito estilizada, de ritmo sinuoso e dominada pelo desenho e pela elegância formal. Pouco a pouco, a plenitude do românico cedeu lugar a figuras com algum sentido do volume, colocadas sobre fundos planos, quase sempre dourados, e, mais tarde, com certa sugestão de paisagem. Os temas pictóricos procediam das hagiografias, das Sagradas Escrituras e dos relatos cavalheirescos. Tal como sucedeu com a arquitetura e a escultura, esse primeiro estilo da pintura gótica também se originou na França, motivo pelo qual foi chamado franco-gótico. Suas melhores manifestações são vitrais e miniaturas.
O refinado mundo cortesão, que concedia uma singular importância à mulher, produziu no século XV um novo estilo, conhecido como internacional, que unia a estética franco-gótica às influências dos mestres de Siena. Entre outras obras, destacaram-se as miniaturas do livro As riquíssimas horas do duque de Berry, de autoria dos irmãos Limbourg.
Com o desenvolvimento das escolas florentina e de Siena nos séculos XIII e XIV, a Itália encaminhou-se para o Renascimento, com seus novos postulados de busca de volume e de preocupação com a natureza. Entre seus principais representantes devem ser mencionados Cimabue e Giotto, em Florença, e Duccio di Buoninsegna e Simone Martini, em Siena.
A minuciosa pintura flamenga a óleo chegou a ser o estilo mais apreciado no mundo gótico. A utilização do óleo possibilitou cores mais vivas e brilhantes e maior detalhismo. Os iniciadores dessa escola foram os irmãos Hubert e Jan van Eyck, que pintaram o "Políptico da adoração do Cordeiro místico". Outros artistas destacados foram Roger van der Weyden, Hans Memling e Gérard David.

Neogótico

A cópia acadêmica do gótico medieval, estilo aplicado à decoração e principalmente à arquitetura, que floresceu no século XIX, teve como base estética o romantismo e suas tendências medievalistas. Mas na Inglaterra, o neogótico, ou pseudogótico, já aparece por volta de 1755, adotado pelo escritor Horace Walpole, criador do chamado romance gótico, em sua famosa residência de Strawberry Hill, onde mandou até mesmo construir réplicas de autênticas ruínas góticas.
O mais importante monumento neogótico na Inglaterra é o Parlamento, em Londres, construído entre 1837 e 1843 por Charles Berry e Augustus Pugin. Na França, a igreja da Notre Dame de Bonsecour, de Viollet-le-Duc, concluída em 1842. Nos Estados Unidos os arquitetos do neogótico são Ralph Adams Cram, autor do projeto da igreja de Saint John the Divine, e James Renwick, da catedral de Saint Patrick, ambas em Nova York. Na Alemanha, a catedral de Colônia, embora baseada em planos do século XIII e em fundações medievais, foi construída em estilo neogótico, em 1872, pretendendo ser um exemplo perfeito do gótico ideal.

©Encyclopaedia Britannica do Brasil Publicações Ltda.

o cat

2007-08-18T21:46:00.000-07:00

2007-08-17T10:16:00.000-07:00

alendário Histórico

1944: O Dia "D"

Großansicht des Bildes mit der Bildunterschrift: Soldados americanos, pouco antes do desembarque

O dia 6 de junho de 1944 entrou para a história como o Dia "D". Neste dia, os aliados ocidentais iniciaram a ofensiva contra as tropas alemãs no Canal da Mancha. Foi a maior operação de desembarque da história militar.

Durante anos, a decisão por uma grande ofensiva sobre o Canal da Mancha foi motivo de fortes controvérsias entre os aliados ocidentais. Inicialmente, não houve consenso quanto à proposta da União Soviética de abrir uma segunda frente de batalha na Europa Ocidental, a fim de conter as perdas russas nos violentos combates contra as Forças Armadas alemãs. Somente no final de 1943, decidiu-se em Teerã planejar para a primavera seguinte a chamada Operação Overlord - a maior operação aeronaval da história militar.

Nos meses seguintes, mais de três milhões de soldados norte-americanos, britânicos e canadenses concentraram-se no sul da Inglaterra para atacar os alemães na costa norte da França. Além disso, dez mil aviões, sete mil navios e centenas de tanques anfíbios e outros veículos especiais de guerra foram preparados para a operação.

Operação anunciada pelo rádio

A 6 de junho de 1944, foi anunciada pelo rádio a chegada do "Dia D" - o Dia da Decisão. A operação ainda havia sido adiada por 24 horas, devido ao mau tempo no Canal da Mancha e, por pouco, não fora suspensa. Antes do amanhecer, pára-quedistas e caças aéreos já haviam bombardeado trincheiras alemãs e destruído vias de comunicação. Uma frota de aproximadamente 6500 navios militares atracou num trecho de cerca de 100 quilômetros nas praias da Normandia, no nordeste da França.

Bildunterschrift: Großansicht des Bildes mit der Bildunterschrift: Cemitério das vítimas norte-americanas em Colleville, na NormandiaAo final do primeiro dia da invasão, mais de 150 mil soldados e centenas de tanques haviam alcançado o continente europeu. Graças à supremacia aérea dos aliados, foi possível romper a temível "barreira naval" de Hitler e estabelecer as primeiras cabeceiras de pontes. As perdas humanas - 12 mil mortos e feridos - foram menores do que esperadas, visto que o comando militar alemão fora surpreendido pelo ataque.

Alemães esperavam adiamento da operação

Os nazistas previam uma invasão, mas não sabiam onde ela ocorreria. Também não chegaram a um consenso sobre a melhor maneira de enfrentá-la. Por causa do mau tempo, eles esperavam que a operação fosse adiada para o verão europeu. Em função de manobras simuladas pelos aliados, Hitler concentrara o 15º exército na parte mais estreita do Canal da Mancha, onde previa ser atacado. As demais tropas alemãs permaneceram no interior do país, em vez de serem estacionadas na costa, como havia pedido inutilmente o marechal-de-campo Erwin Rommel. Graças a esses erros estratégicos, os aliados escaparam de uma violenta contra-ofensiva alemã.

Apesar disso, o avanço das tropas aliadas enfrentou forte resistência. A cidade de Caen, que os ingleses pretendiam libertar já no dia do desembarque, só foi entregue pelos alemães no dia 9 de junho, quase toda destruída. As defesas nazistas no interior da França só foram rompidas a 1º de agosto, uma semana depois do previsto.

O "Dia D", comandado pelo general Dwight D. Eisenhower, foi o ataque estratégico que daria o golpe mortal nas forças nazistas. "Esse desembarque faz parte de um plano coordenado pelas Nações Unidas - em cooperação com os grandes aliados russos - para libertar a Europa. A hora da libertação chegou", profetizou o próprio Eisenhower, a 2 de junho.

Paris foi libertada a 25 de agosto, Bruxelas, a 2 de setembro. A fronteira alemã anterior ao início da guerra foi cruzada pelos aliados em Aachen a 12 de setembro, ao mesmo tempo em que eram realizados bombardeios aéreos contra cidades industriais alemãs. No início de 1945, os soviéticos (pelo leste) e os norte-americanos (pelo oeste) fizeram uma verdadeira corrida para ver quem chegava primeiro a Berlim, para comemorar a vitória definitiva sobre a Alemanha nazista.

Matthias Schmitz / gh

2007-08-17T10:03:00.000-07:00

falçao

2007-08-17T09:56:00.000-07:00

Falcões

- Designação atribuída às aves de rapina pertencentes ao género Falco, família Falconidae, ordem Falconiformes. Os falcões são as mais pequenas aves de rapina (15-60 cm). Fazem o ninho em locais elevados e capturam as suas presas através de um voo picado. Entre os falcões encontram-se o falcão-peregrino e o peneireiro.

goticos

2007-08-15T15:13:00.000-07:00

2007-08-15T15:11:00.001-07:00

o pentagrama

2007-08-11T11:03:00.000-07:00

Desde os primórdios da humanidade, o ser humano sempre se sentiu envolto por forças superiores e trocas energéticas que nem sempre soube identificar. Sujeito a perigos e riscos, teve a necessidade de captar forças benéficas para se proteger de seus inimigos e das vibrações maléficas. Foi em busca de imagens, objetos, e criou símbolos para poder entrar em sintonia com energias superiores e ir ao encontro de alguma forma de proteção. Dentre estes inúmeros símbolos criados pelo homem, se destaca o pentagrama, que evoca uma simbologia múltipla, sempre fundamentada no número 5, que exprime a união dos desiguais. As cinco pontas do pentagrama põem em acordo, numa união fecunda, o 3, que significa o principio masculino, e o 2, que corresponde ao princípio feminino. Ele simboliza, então, o andrógino.

O pentagrama sempre esteve associado com o mistério e a magia. Ele é a forma mais simples de estrela, que deve ser traçada com uma única linha, sendo consequentemente chamado de "Laço Infinito". A potência e associações do pentagrama evoluíram ao longo da história. Hoje é um símbolo onipresente entre os neo-pagãos, com muita profundidade mágica e grande significado simbólico. Um de seus mais antigos usos se encontra na Mesopotâmia, onde a figura do pentagrama aparecia em inscrições reais e simbolizava o poder imperial que se estendia "aos quatro cantos do mundo". Entre os Hebreus, o símbolo foi designado como a Verdade, para os cinco livros do Pentateuco (os cinco livros do Velho Testamento, atribuídos a Moisés). Às vezes é incorretamente chamado de "Selo de Salomão", sendo, entretanto, usado em paralelo com o Hexagrama.

Na Grécia Antiga, era conhecido como Pentalpha, geometricamente composto de cinco As. Pitágoras, filósofo e matemático grego, grande místico e moralista, iniciado nos grandes mistérios, percorreu o mundo nas suas viagens e, em decorrência, se encontram possíveis explicações para a presença do pentagrama, no Egito, na Caldéia e nas terras ao redor da Índia. A geometria do pentagrama e suas associações metafísicas foram exploradas pelos pitagóricos, que o consideravam um emblema de perfeição. A geometria do pentagrama ficou conhecida como " A Proporção Dourada", que ao longo da arte pós helênica, pôde ser observada nos projetos de alguns templos.

Para os agnósticos, era o pentagrama a "Estrela Ardente" e, como a Lua crescente, um símbolo relacionado à magia e aos mistérios do céu noturno. Para os druidas, era um símbolo divino e, no Egito, era o símbolo do útero da terra, guardando uma relação simbólica com o conceito da forma da pirâmide.

Os celtas pagãos atribuíam o símbolo do pentagrama à deusa Morrigan. Os primeiros cristãos relacionavam o pentagrama às cinco chagas de Cristo e, desde então, até os tempos medievais, era um símbolo cristão. Antes da Inquisição não havia nenhuma associação maligna ao pentagrama; pelo contrário, era a representação da verdade implícita, do misticismo religioso e do trabalho do Criador. O imperador Constantino I, depois de ganhar a ajuda da Igreja Cristã na posse militar e religiosa do Império Romano em 312 d.C., usou o pentagrama junto com o símbolo de chi-rho (uma forma simbólica da cruz), como seu selo e amuleto. Tanto na celebração anual da Epifania, que comemora a visita dos três Reis Magos ao menino Jesus, assim como também a missão da Igreja de levar a verdade aos gentios, tiveram como símbolo o pentagrama, embora em tempos mais recentes este símbolo tenha sido mudado, como reação ao uso neo-pagão do pentagrama. Em tempos medievais, o "Laço Infinito" era o símbolo da verdade e da proteção contra demônios. Era usado como um amuleto de proteção pessoal e guardião de portas e janelas.

Os Templários, uma ordem militar de monges formada durante as Cruzadas, ganharam grande riqueza e proeminência através das doações de todos aqueles que se juntavam à ordem, e amealhou também grandes tesouros trazidos da Terra Santa. Na localização do centro da "Ordem dos Templários", ao redor de Rennes du Chatres, na França, é notável observar um pentagrama natural, quase perfeito, formado pelas montanhas que medem vários quilômetros ao redor do centro. Há grande evidência da criação de outros alinhamentos geométricos exatos de Pentagramas como também de um Hexagrama, centrados nesse pentagrama natural, na localização de numerosas capelas e santuários nessa área.

Está claro, no que sobrou das construções dos Templários, que os arquitetos e pedreiros associados à poderosa ordem conheciam muito bem a geometria do pentagrama e a "Proporção Dourada", incorporando aquele misticismo aos seus projetos.

Entretanto, a "Ordem dos Templários" foi inteiramente dizimada, vítima da avareza da Igreja e de Luiz IX, religioso fanático da França, em 1.303. Se iniciaram os tempos negros da Inquisição, das torturas e falsos-testemunhos, de purgar e queimar, esparramando-se como a repetição em câmara-lenta da peste negra, por toda a Europa.

Durante o longo período da Inquisição, havia a promulgação de muitas mentiras e acusações em decorrência dos "interesses" da ortodoxia e eliminação de heresias. A Igreja mergulhou por um longo período no mesmo diabolismo ao qual buscou se opor.

O pentagrama foi visto, então, como simbolizando a cabeça de um bode ou o diabo, na forma de Baphomet, e era Baphomet quem a Inquisição acusou os Templários de adorar. Também, por esse tempo, envenenar como meio de assassinato entrou em evidência. Ervas potentes e drogas trazidas do leste durante as Cruzadas, entraram na farmacopéia dos curandeiros, dos sábios e das bruxas. Curas, mortes e mistérios desviaram a atenção dos dominicanos da Inquisição, dos hereges cristãos, para as bruxas pagãs e para os sábios, que tinham o conhecimento e o poder do uso dessas drogas e venenos.

Durante a purgação das bruxas, outro deus cornudo, como Pan, chegou a ser comparado com o diabo (um conceito cristão) e o pentagrama - popular símbolo de segurança - pela primeira vez na história, foi associado ao mal e chamado "Pé da Bruxa". As velhas religiões e seus símbolos caíram na clandestinidade por medo da perseguição da Igreja e lá ficaram definhando gradualmente, durante séculos.

As sociedades secretas de artesãos e eruditos, que durante a inquisição viveram uma verdadeira paranóia, realizando seus estudos longe dos olhos da Igreja, já podiam agora com o fim do período de trevas da Inquisição, trazer à luz o Hermetismo, ciência doutrinaria ligada ao agnosticismo surgida no Egito, atribuída ao deus Thot, chamado pelos gregos de Hermes Trismegisto, e formada principalmente pela associação de elementos doutrinários orientais e neoplatônicos. Cristalizou-se, então, um ensinamento secreto em que se misturavam filosofia e alquimia, ciência oculta da arte de transmutar metais em ouro. O simbolismo gráfico e geométrico floresceu, se tornou importante e, finalmente, o período do Renascimento emergiu, dando início a uma era de luz e desenvolvimento.

Um novo conceito de mundo pôde ser passado para a Europa renascida, onde o pentagrama (representação do número cinco), significava agora o microcosmo, símbolo do Homem Pitagórico que aparece como uma figura humana de braços e pernas abertas, parecendo estar disposto em cinco partes em forma de cruz; o Homem Individual. A mesma representação simbolizava o macrocosmo, o Homem Universal - dois eixos, um vertical e outro horizontal, passando por um mesmo centro.

Um símbolo de ordem e de perfeição, da Verdade Divina. Portanto, "o que está em cima é como o que está embaixo", como durante muito tempo já vinha sendo ensinado nas filosofias orientais. O pentagrama pitagórico - que se tornou, na Europa, o de Hermes, gnóstico - já não aparece apenas como um símbolo de conhecimento, mas também como um meio de conjurar e adquirir o poder. Figuras de Pentagramas eram utilizadas pelos magos para exercer seu poder: existiam Pentagramas de amor, de má sorte, etc.

No calendário de Tycho Brahe "Naturale Magicum Perpetuum" (1582), novamente aparece a figura do pentagrama com um corpo humano sobreposto, que foi associado aos elementos. Agripa (Henry Cornelius Von de Agripa Nettesheim), contemporâneo de Tycho Brahe, mostra proporcionalmente a mesma figura, colocando em sua volta os cinco planetas e a Lua no ponto central (genitália) da figura humana. Outras ilustrações do mesmo período foram feitas por Leonardo da Vinci, mostrando as relações geométricas do Homem com o Universo.

Mais tarde, o pentagrama veio simbolizar a relação da cabeça para os quatro membros e consequentemente da pura essência concentrada de qualquer coisa, ou o espírito para os quatro elementos tradicionais: terra, água, ar e fogo - o espírito representado pela quinta essência ( a "Quinta Essentia" dos alquimistas e agnósticos). Na Maçonaria, o homem microcósmico era associado com o Pentalpha (a estrela de cinco pontas). O símbolo era usado entrelaçado e perpendicular ao trono do mestre da loja. As propriedades e estruturas geométricas do "Laço Infinito" foram simbolicamente incorporadas aos 72 graus do Compasso - o emblema maçônico da virtude e do dever.

Nenhuma ilustração conhecida associando o pentagrama com o mal aparece até o Século XIX. Eliphas Levi (Alphonse Louis Constant) ilustra o pentagrama vertical do homem microcósmico ao lado de um pentagrama invertido, com a cabeça do bode de Baphomet ( figura panteísta e mágica do absoluto). Em decorrência dessa ilustração e justaposição, a figura do pentagrama, foi levada ao conceito do bem e do mal.

Contra o racionalismo do Século XVIII, sobreveio uma reaçãono Século XIX, com o crescimento de um misticismo novo que muito deve à Santa Cabala, tradição antiga do Judaísmo, que relaciona a cosmogonia de Deus e universo à moral e verdades ocultas, e sua relação com o homem. Não é tanto uma religião mas, sim, um sistema filosófico de compreensão fundamentado num simbolismo numérico e alfabético, relacionando palavras e conceitos.

Eliphas Levi foi um expositor profundo da Cabala e instrumentou o caminho para a abertura de diversas lojas de tradição hermética no ocidente: a "Ordem Temporale Orientalis" (OTO), a "Ordem Hermética do Amanhecer Dourado" (Golden Dawn), a "Sociedade Teosófica", os "Rosacruzes", e muitas outras, inclusive as modernas Lojas e tradições da Maçonaria.

Levi, entre outras obras, utilizou o Tarot como um poderoso sistema de imagens simbólicas, que se relacionavam de perto com a Cabala. Foi Levi também quem criou o Tetragrammaton - ou seja, o pentagrama com inscrições cabalísticas, que exprime o domínio do espírito sobre os elementos, e é por este signo que se invocavam, em rituais mágicos, os silfos do ar, as salamandras do fogo, as ondinas da água e os gnomos da terra" ("Dogma e Ritual da Alta Magia" de Eliphas Levi).

A Golden Dawn, em seu período áureo (de 1888 até o começo da primeira guerra mundial), muito contribuiu para a disseminação das raízes da Cabala Hermética moderna ao redor do mundo e, através de escritos e trabalhos de vários de seus membros, principalmente Aleister Crowley, surgiram algumas das idéias mais importantes da filosofia e da mágica da moderna Cabala. Em torno de 1940, Gerald Gardner adotou o pentagrama vertical, como um símbolo usado em rituais pagãos. Era também o pentagrama desenhado nos altares dos rituais, simbolizando os três aspectos da deusa mais os dois aspectos do deus, nascendo, então, a nova religião de Wicca.

Por volta de 1960, o pentagrama retomou força como poderoso talismã, juntamente com o crescente interesse popular em bruxaria e Wicca, e a publicação de muitos livros (incluindo vários romances) sobre o assunto, ocasionando uma decorrente reação da Igreja, preocupada com esta nova força emergente.

Um dos aspectos extremos dessa reação foi causado pelo estabelecimento do culto satânico - "A Igreja de Satanás" - por Anton La Vay. Como emblema de sua igreja, La Vay adotou o pentagrama invertido (inspirado na figura de Baphomet de Eliphas Levi). Isso agravou com grande intensidade a reação da Igreja Cristã, que transformou o símbolo sagrado do pentagrama, invertido ou não, em símbolo do diabo.

A configuração da estrela de cinco pontas, em posições distintas, trouxe vários conceitos simbólicos para o pentagrama, que foram sendo associados, na mente dos neo-pagãos, a conceitos de magia branca ou magia negra. Esse fato ocasionou a formação de um forte código de ética de Wicca - que trazia como preceito básico: "Não desejes ou faças ao próximo, o que não quiseres que volte para vós, com três vezes mais força daquela que desejaste."

Apesar dos escritos criados para diferenciar o uso do pentagrama pela religião Wicca, das utilizações feitas pelo satanismo, principalmente nos Estados Unidos, onde os cristãos fundamentalistas se tornaram particularmente agressivos a qualquer movimento que envolvesse bruxaria e o símbolo do pentagrama, alguns wiccanianos se colocaram contrários ao uso deste símbolo, como forma de se protegerem contra a discriminação estabelecida por grupos religiosos radicais.

Apesar de todas as complexidades ocasionadas através dos diversos usos do pentagrama, ele se tornou firmemente um símbolo indicador de proteção, ocultismo e perfeição. Suas mais variadas formas e associações em muito evoluíram ao longo da história e se mantêm com toda a sua onipresença, significado e simbolismo, até os dias de hoje.

O Pentagrama é o símbolo de toda criação mágica. Suas origens estão perdidas no tempo. O pentagrama foi usado por muitos grupos de pessoas aos longo da História como símbolo de poder mágico. O Pentagrama é conhecido com a estrela do microcosmo, ou do pequeno universo, a figura do homem que domina o espírito sobre a matéria, a inteligência sobre os instintos.

Na Europa Medieval era conhecido como "Pé de Druida" e como "Pé de Feiticeiro", em outras épocas ficou conhecido como "Cruz dos Goblins".

O Pentagrama representa o próprio corpo, os 4 membros e a cabeça. É a representação primordial dos 5 sentidos tanto interiores como exteriores.

Além disso, representa os 5 estágios da vida do homem:

* Nascimento: o início de tudo

* Infância: momento onde o indivíduo cria suas próprias bases

* Maturidade: fase da comunhão com as outras pessoas

* Velhice: fase de reflexão, momento de maior sabedoria

* Morte: tempo do término para um novo início

O Pentagrama é o símbolo da Bruxaria. Os Bruxos usam um Pentagrama para representar a sua fé e para se reconhecerem. O Pentagrama é tão importante para um Wiccaniano, assim como uma cruz é importante para um cristão, ou como um Selo de Salomão é importante para um judeu.

O Pentagrama representa o homem dentro do círculo, o mais alto símbolo da comunhão total com os Deuses. É o mais alto símbolo da Arte, pois mostra o homem reverenciando a Deusa , já que é a estilização de uma estrela(homem) assentada no círculo da Lua Cheia(Deusa).

Cada uma das pontas possui um significado particular:

* PONTA 1- ESPÍRITO: representa os criadores , a Deusa e o Deus, pois eles guiam a nossa vida e nos ajudam na realização dos ritos e trabalhos mágicos. O Deus e a Deusa são detentores dos 4 elementos e estes elementos são as outras 4 pontas.

* PONTA 2- TERRA: representa as forças telúricas e os poderes dos elementais da terra, os Gnomos. É a ponta que simboliza os mistérios, o lado invisível da vida, a força da fertilização e do crescimento.

* PONTA 3- AR: representa as forças aéreas e os poderes dos Silfos. Corresponde à inteligência , ao poder do saber, a força da comunicação e da criatividade.

* PONTA 4- FOGO: representa a energia, a vontade e o poder das Salamandras. Corresponde as mudanças, as transformações. É a força da ativação e da agilidade.

* PONTA 5- ÁGUA: representa as forças aquáticas e aos poderes das Ondinas. Está ligada às emoções, ao entardecer, ao inconsciente. Corresponde às forças da mobilidade e adaptabilidade. Portanto, o Bruxo que detém conhecimento sobre os elementos usa o Pentagrama como símbolo de domínio e poder sobre os mesmos.

rosas voo 3054

2007-07-31T13:46:00.000-07:00

coração

2007-07-30T12:09:00.000-07:00

. [red][b]
_________um amor,____________um amor,s
______um amor,se cal_______um amor,se calor
____um amor,se calor nã___um amor,se calor nã
___um amor,se calor não é nadaum am_______um a
__um amor,se calor não é nadaum am_________um a
_um amor,se calor não é nadaum amor,s_______um a
_um amor,se calor não é nadaum amor,se ca______u
um amor,se calor não é nadaum amor,se calor __um
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um amor,se calor não é nadaum amor,se calor não é
um amor,se calor não é nadaum amor,se calor não é
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____um amor,se calor não é nadaum amor,se calo
______um amor,se calor não é nadaum amor,se
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______________um amor,se calor não
_________________um amor,se ca
___________________um amor,s
_____________________um amo
______________________um a
_______________________um

www.clubegames.net

Dragão

2007-07-30T11:55:00.001-07:00

rebeca é ouro

2007-07-22T09:21:00.000-07:00

Rebeca Gusmão quebra o recorde sul-americano dos 50 m peito

Vicente Toledo Jr
Enviado especial do UOL
Em Belo Horizonte

Poucas horas depois de conquistar a medalha de ouro na prova dos 50 m livre da etapa brasileira da Copa do Mundo de natação em piscina curta, em Belo Horizonte, a nadadora brasiliense Rebeca Gusmão voltou a brilhar. Ela quebrou o recorde sul-americano dos 50 m peito, com a marca de 31s31.

Satiro Sodré/Divulgação
Rebeca Gusmão (à frente) quebra o recorde sul-americano nos 50 m estilo peito
"Eu queria nadar bem essa prova, mas não esperava tanto. Foi um tempo muito bom por eu ter acabado de sair de outra prova. Fiquei feliz pelo resultado", comemorou a atleta, que minutos antes havia disputado as eliminatórias dos 100 m livre e feito o melhor tempo, com 54s60.

O recorde anterior dos 50 m peito pertencia à própria Rebeca, que registrou 31s84 no ano passado, também em Belo Horizonte. Neste sábado, ela superou essa marca nas eliminatórias da prova, classificando-se em primeiro lugar para a final deste domingo. O resultado superou também o índice exigido para o Mundial de Xangai, que é de 31s41.

Concentrada para competir também nas eliminatórias dos 100 m medley ainda neste sábado, a nadadora nem havia se dado conta da conquista do índice e só ficou sabendo que havia conseguido a classificação para o Mundial através da reportagem do UOL Esporte.

"Não estava sabendo, quanto é o índice mesmo?", perguntou Rebeca. "Então pode escrever aí que eu sou a primeira mulher brasileira a fazer um índice para Mundial no estilo peito", vangloriou-se.

Ela competiu nessa prova há dois anos, em Indianápolis, mas havia conquistado a vaga no nado livre. Rebeca, entretanto, esqueceu-se de Patrícia Comin, que disputou os 50 m, 100 m e 200 m peito no Mundial de piscina curta de 1999, em Hong Kong.

Mesmo após o recorde, Rebeca não decidiu se disputará os 50 m peito em Xangai. Tudo vai depender do programa de provas, pois já havia se garantido nos 50 m e 100 m livre, e de suas chances de medalha no evento. "Minha preferência é nadar as provas de livre. Mas, se der, vou nadar peito também", concluiu.

Mais índice
Na terceira bateria eliminatória dos 50 m livre masculino, Artur da Rocha alcançou o índice para o Mundial ao fazer o tempo de 21s78, classificando-se para a final em primeiro lugar.

Apesar disso, Rocha não tem vaga na equipe brasileira que vai a Xangai porque há três outros nadadores com tempos melhores que o dele - Nicholas dos Santos (21s49), Guilherme Roth (21s64) e Fernando Scherer (21s77). Para ir à China, Rocha teria que baixar ainda mais o seu tempo neste domingo.

Entre os demais resultados da tarde deste sábado, destaque para o segundo lugar de Thiago Pereira nos 200 m medley, prova da qual é o atual campeão mundial. Visivelmente poupando energias, ele marcou 2min03s60, ficando atrás apenas do também brasileiro André Schultz, que fez 2min02s88.

Já o paraibano Kaio Márcio competiu nos 100 m borboleta e passou à final com o quarto melhor tempo (53s38). O mais rápido foi o romeno Ioan Gherghel com 53s02, seguido pelo brasileiro Fernando Silva (53s22) e pelo australiano Jason Cohen (53s25). Esperança de medalha, o brasileiro Gabriel Mangabeira se classificou em sexto (53s85).

Nos 100 m peito masculino, os brasileiros Henrique Barbosa (1min00s10) e Felipe Lima (1min01s06) dominaram as eliminatórias, ficando à frente do norte-americano Mark Gangloff (1min01s20) e do também brasileiro Eduardo Fischer (1min01s32), que pela manhã ganhou o ouro nos 50 m peito. Os três tentam índice para o Mundial neste domingo.

Gotico

2007-07-21T15:33:00.000-07:00

SONHO GOTICO - GOTHIC ROCK - BRITTANICA

2007-07-21T15:32:00.001-07:00

poesia goticas.............

2007-07-11T18:11:00.000-07:00

O que chamais de morte
é o findar da vida
E o que chamas nascer
é o começar a morrer
E o que chamais viver
é morrer vivendo

Não temo a morte:

prefiro este fato inelutavél

ao que me foi imposto

no dia no meu nascimento.

poesia-spleen

2007-07-11T17:56:00.000-07:00

Spleen - Rancor, ressentimento; baço; anguustia, depressão; melencolia, mau-humor.

Inicialmente esta palavra inglesa significava apenas "baço", órgão ao qual era atribuída, no século XIX, a propriedade de determinar o estado melancólico ou depressivo de um indivíduo. Por extensão, passou a significar ainda "mau humor", tornando-se depois o nome da vertente ultra-romântica, conhecida como Mal-do-Século.

A medicina da época imaginava que o tédio e a melancolia era fruto de uma bile negra produzida nesse baço.

Devido a esse fato a palavra spleen passou a ser ligada á todos os sentimentos negativos descritos nas poesias Ultra-Românticas: a dor, a melancolia, a depressão, o tédio... enfim todos os motivos e inspirações dos poetas do mal do século.

Alguns poetas chegaram até mesmo a citar o Spleen em algumas de suas poesias, como é o caso das poesias "Spleen e charutos" e "Macário" de Álvares de Azevedo.

poesia gotica

2007-07-11T17:54:00.001-07:00

Hoje, um sentimento renasceu em mim, e sua dor me fez escrever um poema/desabafo, desculpem os erros, mas palavras nunca foram meu forte, espero que entendam, mas se não entenderem não faz diferença, a minha dor é a mesma...
rn
rnAchei que tinha encontrado um caminho que queria trilhar a muito tempo, porém os obstáculos se mostraram intransponíveis novamente. Por que a felicidade sempre se coloca tão próxima, e ao mesmo tempo tão distante de mim? Posso sentí-la, posso vê-la, porém não possuí-la. E até quando a vida vai ser cruel comigo, me torturando com ilusões, sonhos e desejos irrealizáveis? Até quando essa dor vai voltar a machucar? Cada vez que me levanto, que "melhoro", surge outra "surpresa" pra castigar de novo esse coração tão torturado, magoando os poucos sentimentos bons que ainda possuo dentro de mim.
rnEstá cada dia mais difícil manter esse ódio quieto no meu íntimo, adormecido, pois a cada novo tombo que levo, ele aumenta, ganha força, poder, e é cada vez mais doloroso dominá-lo. Mas agora penso se vale a pena controlá-lo? Sei que se libertá-lo, quem não merece e não tem culpa vai sofrer por sua causa, mas o outro caminho que me resta é exterminá-lo, porém a única forma possível, é acabando com a pessoa que o carrega...
rnSinto que o fim não está mais longe, dessa vez a dor foi grande... foi do tamanho do sonho... não vejo um real motivo pelo qual tenha que sofrer assim, mas se a vida pode me maltratar assim, vou mostrar a ela que não sofrerei passivamente, que ainda tenho um pouco de controle sobre ela, e que apesar de ela me destruir por dentro, posso destruí-la por inteiro...
rnSinto uma presença ao meu lado... Será que ela sabe que dessa vez não há retorno e já está a minha espera? Não a deixarei esperando muito mais...
rnAqui me despeço de todos, daqueles que me ajudaram quando precisei e daqueles que cuspiram em mim enquanto estava no chão, com a mesma intensidade, pois ambos me mostraram que a vida é irracional e injusta... Sem esquecer daquelas pessoas que me empurraram do abismo, às vezes propositalmente, às vezes inconscientemente, mas que no fim, resultou no mesmo dano, mais uma dor no coração, dor daquelas que nem o tempo apaga. Só quero que saibam que não foi por covardia que acabei com a maldita(minha vida), e sim para preservar as pessoas do mal que em mim carrego, e que se liberto fosse, muitas dores traria...
rnEntão, lembrem de mim como aquele que amava o silêncio, e que não sabia escrever, mas que no fim conseguiu, mesmo sendo sua despedida, realizando assim um dos sonhos que tinha, apesar de o maior de todos morrer junto, incompleto, morri sem ter tido um amor pleno, completo.
rnMas por aqui encerro minha participação nesse mundo, fiquem bem...
rnSinto o cano frio de encontro a minha têmpora, e ela se aproximando..
rn-Sua espera terminou...
rnEu digo isso, e ela sorri, eu também sorrio, pois sei que minha solidão terminará junto com o disparo, terei uma companhia para me levar ao inferno e que permanecerá ao meu lado para sempre. Meu último pensamento vai em direção aquela que causou minha última dor, mesmo sem saber, sequer imaginar, ela ajudou na decisão, só tenho a agradecê-la.
rn

2007-07-08T22:38:00.000-07:00

Uma manhã como tantas outras.
Azáfama, uma multidão que corre, anónima, alheia a tudo , apenas com pressa de chegar.

Os meus olhos sentiram o peso dos teus.
Olhei, sorriste. Devolvi o sorriso.

Um gesto, um sorriso...olhos nos olhos. Nada mais.
E nessa troca de olhares muitas coisas dissemos.

Entraste no metropolitano, apinhado de gente.
As portas fecharam-se, e pela úiltima vez, pousaste o teu olhar no meu.

Não sei quem és, de onde vens, e para onde vais.
Nunca te vi.
Mas sei que te conheço desde sempre.

2007-07-08T08:17:00.001-07:00

Jigsaw Puzzle by Crazyprofile.com

2007-07-07T15:18:00.001-07:00

Pessoal recebi esse video e fiquei meio com a pulga atrás da orelha , trata-se de um acidente em Sintra (Portugal) em que aparece 2 pessoas em um carro e um cara no banco de traz filmando , durante o trajeto aparece uma moça no meio da estrada sozinha e eles dão carona pra ela , só que em um determinado ponto após a entrada dessa moça estranha no carro a camera começa a receber certas interferências sem que o cara que tava filmando percebesse , e após virar a camera para o rosto dessa moça denovo ela aparece toda machucada como se tivesse sofrido um acidente e grita , logo após isso acontece o acidente do carro , parece que ele tomba sozinho na estrada e dois dos ocupantes morrem o outro que sobrevive nao conseguiu explicar ate hoje o que houve naquela noite do acidente , ja procurei saber sobre esse acidente e se realmente aconteceu mais não achei nada a respeito , so fiquei sabendo que sintra é um local que acontece varios fenômenos sobrenaturais , bom o video ta ai pra vocês verem e tirarem a conclusão sobre isso , o video não é forte ou seja não aparece ninguem morto , somente aperece esse estranho fenômeno sobrenatural , parece que varios caminhoneiros no Brasil já relataram esses fatos de darem carona pra uma moça e logo após terem visões sobrenaturais , até +

2007-07-07T15:12:00.000-07:00

A força sobrenatural consiste numa formula invisivel podendo ser revelada dependendo do estado armonial do espirito relevando um grande conhecimento elevado aqueles que saiba utiliza-lo podendo permanentemente levar à psiquiatria,aqueles que sabe utilizar essa força sobrenatural e que tenha (total dominio da força mental e psicologica).Podendo ter uma harmonia entre esses dois conjunto aprenda mais...

2007-07-07T14:34:00.000-07:00

Rebeka foi um personagem criada para reapresentar uma jovem médium que via uma menina com aparência mórbida, e que na idade de Rebeca era muito mais madura como se vivesse muitos anos a mais...No entanto Rebeca não estranha seu jeito arrepiante e inocente de se vestir, Rebeka propôs para essa menina (chamada Emily Morcen)que ela se apresentasse para sua colega das quais odeiam a jovem.

2007-07-07T13:36:00.000-07:00

“O diálogo com os mortos não deve ser interrompido porque, na realidade, a vida não está limitada pelos horizontes do mundo”.
Papa João Paulo II

“O pronunciamento do papa legitima, de uma forma muito clara, a atual posição da igreja, com relação ao diálogo com os mortos, que ao longo do tempo vem sofrendo modificações”
Clóvis Nunes

“O espiritismo existe, há sinais na Bíblia, na Sagrada Escritura, no Antigo Testamento. Não se pode negar que exista esta possibilidade de comunicação”.
Gino Concetti

“A Igreja acredita que seja possível uma comunicação entre este mundo e o outro mundo. A Igreja se sente peregrina, porque vive na terra e possui uma pátria no céu”.
Sandro Register